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Musée Botero

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Le Museo Botero est un musée d'art situé dans le quartier de La Candelaria à Bogota, en Colombie. Le musée a été fondé en 2003, à la suite d'un legs important de Ferdinand Botero en 2000. Aujourd'hui, il abrite l'une des plus importantes collections d'art d'Amérique latine et reçoit environ un demi-million de visiteurs chaque année.

Histoire du Musée Botero

Ferdinand Botero est l'un des artistes vivants les plus célèbres de Colombie : son style, Boterismo, est unique, car il peint ce qu'il a qualifié de « grandes personnes » - des personnes aux proportions exagérées, normalement pour critiquer ou faire la satire de personnalités importantes. Il a acquis une renommée internationale dans les années 1990 et son travail a été exposé dans le monde entier : il a reçu le prix Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award du Centre international de sculpture en 2012. Bien que le travail de Botero ne soit pas très connu en Europe, vous reconnaîtrez peut-être sa peinture de 1964 de Le pape Léon X, qui est devenu un mème populaire.

Botero a également peint une série basée sur la violence liée à la drogue et les cartels en Colombie dans les années 1980/90, et a suscité une nouvelle controverse avec sa série Abu Ghraib, qui examinait les abus commis dans les prisons irakiennes par des Américains.

Musée Botero aujourd'hui

En 2000, il a légué 123 pièces de son propre travail et 85 autres pièces de ses collections au peuple colombien, et a travaillé avec le Banco de la Republica pour créer un cadre dans lequel ils pourraient être appréciés et appréciés au maximum. L'une des stipulations du legs était que le musée soit gratuit pour tous, afin que les personnes de tous horizons et de tous horizons puissent profiter, étudier et apprendre du travail de Botero.

Le musée reste un moyen très agréable de passer l'après-midi : l'aile est abrite la collection de Botero, tandis que les autres ailes abritent son propre travail. Le musée est ouvert tous les jours sauf le mardi, et reste gratuit pour tous.

Se rendre au Musée Botero

Le musée est idéalement situé à La Candelaria, où se trouvent de nombreuses attractions culturelles principales de Bogota. Le musée est libre d'accès, et logé dans un ancien bâtiment administratif colonial.


En 1881, un groupe comprenant Manuel Uribe Ángel, Antonio José Restrepo et Martin Gómez, a créé le Musée Zea en l'honneur de Francisco Antonio Zea à la Bibliothèque de l'État souverain d'Antioquia. La première collection contenait des livres et des objets historiques et artistiques de ses fondateurs. Uribe Angel a fait don de sa collection à la condition qu'il soit le premier directeur du Musée. Il y avait aussi une bibliothèque dans le cadre du musée.

L'histoire du département était représentée dans des documents, des armes, des drapeaux et d'autres objets depuis l'indépendance de la Colombie jusqu'à la guerre des Mille Jours. La collection contenait également des pièces précolombiennes, des roches, des minéraux et des pièces de monnaie.

La bibliothèque avait des milliers de volumes liés à l'histoire, l'art et la science, et une compilation des premiers journaux du pays. En 1886, la Constitution a été réformée et le statut d'Antioquia en tant qu'État souverain est passé au statut qu'il a aujourd'hui en tant que Département. En conséquence, des entités telles que le musée devaient dépendre du gouvernement central et des gouverneurs. Le musée a continué en fonction du service administratif.

Le musée a fermé pour devenir le palais de Rafael Uribe Uribe, le gouverneur d'Antioquia. Une partie de la collection a été mise en dépôt et l'autre partie a été envoyée à l'Université d'Antioquio et à l'Académie historique d'Antioquia.

En 1946, Teresa Santamaria de Gonzalez et Joaquin Jaramillo Sierra, de la Honor Society for the Betterment of Medellín, craignaient que la ville n'ait pas de musée représentatif. Ils ont proposé de rouvrir le musée et ont cherché quelqu'un qui pourrait protéger le musée du contrôle ou de la fermeture du gouvernement. Ils ont donc créé le musée en tant qu'entité privée à but non lucratif.

En 1953, le musée a reçu un statut légal, et il a finalement ouvert ses portes en 1955 dans la Casa de la Moneda (Maison de la monnaie), elle-même une ancienne usine d'aguardiente. (L'endroit est maintenant Ala Experimental, à côté de l'église du Veracruz). L'emplacement a été facilité par la banque nationale et la ville de Medellín a donné le bâtiment à l'usage exclusif du musée.

En 1977, le musée a changé son nom pour le Musée d'Art Francisco Antonio Zea de Medellín. Le nom a été changé pour éviter toute confusion : les touristes ne comprenaient pas la signification de Zea et les habitants ont confondu le musée avec le musée Cera (cire).

En 1978, l'artiste Fernando Botero fait sa première donation de ses œuvres au musée. Ensuite, il a été proposé que le nom soit changé en Musée d'Antioquia. Le changement a été accepté par le gouverneur d'Antioquia.

En 1997, un processus de rénovation a commencé. A cette époque, le musée était en difficulté économique et le nombre de visiteurs annuels était faible.

Musée 360 ​​Modifier

Depuis 2016, avec l'arrivée de María del Rosario Escobar en tant que directrice, le Musée d'Antioquia a entrepris le projet Museo 360 cherchant à définir le Musée comme un espace de rencontres et de réflexions qui «reconnaît la réalité de la ville, au lieu de la cacher. . " [1] Museo 360 vise à « régler les dettes historiques d'exclusion, de discrimination » et à surmonter « l'incapacité à comprendre l'autre, dans la peur d'être différent ». [1] Selon Escobar, la mission du Musée est de « revoir l'histoire et ses histoires, et de créer de nouvelles histoires qui sont inclusives et nous permettent de comprendre que les problèmes de la ville et de ses protagonistes existent ». [1] Cette approche institutionnelle cherche à susciter des réflexions sur les chemins historiques qui ont conduit au présent d'une société, et le rôle que jouent les institutions culturelles dans ces processus.

Ainsi, la stratégie curatoriale des galeries permanentes invite les visiteurs à s'interroger sur le rôle de l'histoire de l'art et des musées dans le renforcement des constructions sociales d'exclusion. Un autre exemple de la nouvelle approche du Musée est le projet de résidence artistique de l'artiste Nadia Granados qui, avec la conservatrice Carolina Chacón et un groupe de travailleuses du sexe basé au centre-ville de Medellín, a développé le cabaret/performance primé. Nadie sabe quién soy yo (Personne ne sait qui je suis) en 2017.[1] Dès lors, les artistes ont financé le groupe Las Guerreras del Centro (Downtown Warriors), un collectif pour mettre en lumière la vie et les histoires des travailleuses du sexe à travers des performances artistiques, des cercles de tricot et d'autres actions communautaires.[2] [2]

Nadie sabe quién soy yo a été le début d'une série de collaborations curatoriales et pédagogiques entre Las Guerreras del Centro et le Musée d'Antioquia. De tels projets collaboratifs constituent des pratiques muséologiques critiques déstigmatisantes et valorisantes qui génèrent de nouveaux espaces d'échanges et de dialogues sociaux à l'intérieur et à l'extérieur du musée. Ces espaces émergent du musée, tissent des liens au-delà des murs du musée et transforment drastiquement la relation du musée avec son environnement social. [2]


Desde finales de los años 60, el artista colombiano Fernando Botero había sido un destacado coleccionista de arte. Inicialmente de piezas precolombinas, posteriormente de arte colonial y más recientemente de dibujo, pintura y escultura moderna universal. Hasta 1999, todas sus colecciones se hallaban dispersas en los apartamentos del artista en Nueva York, Paris, Montecarlo y Pietrasanta, además de un depósito en un banco suizo, en Bogotá.

Desde mediados de los noventa, Botero había plantado al Museo de Antioquia en Medellín, la posibilidad de donar su colección entera de arte. Sin embargo, la lentitud en la toma de decisiones por parte de las autoridades antioqueñas le llevó a aceptar la propuesta del entonces alcalde de Bogotá, Enrique Peñalosa, de donar su colección a Bogotá. Aunque Peñalosa propuso construir un nuevo museo para albergarla, el artista prefirió entregar su colección particular de arte, valorada en más de 200 millones de dólares, al Banco de la República de Colombia, en Bogotá, institución con una largaadades trayectoria de actividion cultural relacidiones la numismática, el arte y las bibliotecas, y en cuya Biblioteca Luis Ángel Arango había expuesto años atrás la serie de La Corrida.

En el año 2000, la colección llegó a Colombia después de una exposición en la Fundación Santander Central Hispano de Madrid (España). Tras este obsequio a Bogotá, por petición de las autoridades antioqueñas, el artista aportaría un conjunto significativo de piezas de su autoría al Museo de Antioquia (luego de su cambio de sede), además de un conjunto de esculturas para el Parque Botero ( de dicho Museo). Aunque ya el grueso de la colección de artistas internacionales había sido cedido por Botero a Bogotá, este decidió reunir un nuevo conjunto de cerca de 21 piezas (Matta, Lam, Stella, Rodin, etc.), para ser donado al Museo de Antioquia ( en dos opportunités).

La Curaduría del Museo Botero de Bogotá fue realizada por el mismo Fernando Botero con el apoyo de María Elvira Escallón y José Ignacio Roca. Una de las cláusulas de la donación, fue que ninguna obra donada podía ser prestada o cambiada de ubicación luego de colgada. Por ello, el montaje de las obras se mantiene tal cual como Botero lo decidió. La colección de 87 piezas de arte internacional donadas por el artista, se divise en varios núcleos :

  • Una sala dedicada a artistas europeos de fines del siglo XIX e inicios del siglo XX, con búsquedas relacionadas con el impresionismo. Este espacio incluye la obra más antigua de la colección "Gitana con Pandereta" de Jean-Baptiste-Camille Corot, artista pre-impresionista. Del impresionismo, hay dos óleos de Pierre Auguste Renoir, una vista d'Ámsterdam de Claude Monet, óleos de Camille Pissarro y Gustave Caillebotte y una escultura de Edgar Degas. Obras posimpresionistas solo hay una: "Bebedora de ajenjo en Grenelle" de Henri de Toulouse-Lautrec. El mismo Botero reconoció la dificultad de comprar obras de artistas posimpresionistas (Van Gogh, Seurat, Cézanne) debido a su alto costo en el mercado del arte.

En esta misma sala se encuentran obras muy posteriores no relacionadas directamente con el impresionismo, como un desnudo de Pierre Bonnard adquirido por Botero luego de una dura negociación a Ernst Beyeler, célebre coleccionista de arte o un retrato vu que Botero por Edouard Habitation de Nueva York.

  • La siguiente sala la abre une escultura de Salvador Dalí fechada en 1933, de la cual existe una version en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Aunque Botero reconoce que no le gusta Dalí, admite que compró esta pieza porque consideraba que ayudaba a « completer » la colección.

El resto de la sala está conformada por óleos de gran formato de artistas de corrientes muy diversas, que oscilan entre el surrealismo, el expresionismo, la nueva objetividad alemana y algunas obras cercanas al cubismo. Otras vanguardias como el Futurismo italiano, el Dadá, el cubismo temprano (sintético y analítico) y el expresionismo alemán más temprano, no están representados. Botero ha reconocido que no l'interesa la corriente artística derivada de Duchamp y menos el arte abstracto (las derivaciones de Kandinsky o Klee), que ha calificado en reiteradas ocasiones como meramente "decorativo".

De este espacio, son destacables dos óleos tardíos de Picasso (uno de ellos, inédito), un óleo de Joan Miró (1953), un óleo de Giacometti y, especialmente, una "Maternidad" (1936) de Max Beckmann, especialmente importante para l'histoire de l'art. La pieza, que perteneció a Quapi Beckmann, la viuda del artista, estuvo colgada en el salle de l'accès à l'appartement de Botero à Nueva York.

  • La siguiente sala, está dedicada a dibujos del siglo XX aunque incluye un óleo de pequeño formato de Jacques Lipchitz (fechado en 1917). Son especialmente destacables un pastel de Edgar Degas, una acuarela pintada en 1922 por el alemán George Grosz, dos dibujos de Léger, uno de Henri Matisse, otro de Gustav Klimt y dos dibujos de Balthus, uno de ellos, un estudio preparatorio para la célebre "Lección de Guitarra" (1934), comprado por Botero a la viuda del poeta Paul Éluard. Esta última obra, ha sido prestada en varias ocasiones al Metropolitan Museum de Nueva York y a la Tate Gallery de Londres.
  • La colección internacional continua en el segundo piso con un espacio dedicado a las vanguardias americanas de mediados del siglo XX: comparten el espacio óleos de artistas latinoamericanos como Wifredo Lam o Roberto Matta con obras de los norteamericanos Robert Rauschenberg o Willem de Kooning. La única obra enteramente abstracta del espacio es un óleo de Robert Motherwell. Salvo un óleo de Kitaj, la Colección Botero ignora completamente al arte pop (Warhol, Liechtenstein, etc.) y al abstraccionismo más contundente (Jackson Pollock, Cy Twombly, Clyfford Still, Mark Rothko, etc.). Este sesgo, répond a las reiteradas criticas que Botero hace a la abstracción, del cual su propia obra se aleja por completo.
  • La siguiente sala posee varias obras importantes de la segunda mitad del siglo XX: un estudio para un niño de Francis Bacon, un Jean Dubuffet de 1963 (según algunos, la primera obra adquirida por Botero para su colección), un Joaquín Torres García y un Antoni Tàpies (adquirido por Botero luego de haber hablado mal de Tàpies en una entrevista), entre muchas otras piezas.
  • El siguiente espacio, dedicado a la escultura, incluye obras de Aristide Maillol, Alexander Calder, Anthony Caro, Giacomo Manzú, Henry Moore y Max Ernst, entre muchos otros artistas.

Obras impresionistas en el Museo Botero Editar

Claude Monet. El Geldersekade de Amsterdam en invierno, 1871-1874.


Votre guide du musée d'Antioquia de Medellín

Situé dans le centre-ville d'El Centro, le Museo de Antioquia est un grand bâtiment qui surplombe la très animée Plaza Botero. Abritant une série d'expositions, le musée offre un aperçu unique du département d'Antioquia et du rôle de Medellín dans son histoire. Que vous soyez amateur d'art, passionné d'histoire ou que vous souhaitiez simplement vous imprégner de la vie locale, un voyage au Museo de Antioquia est une excellente activité. Voici comment arriver, que voir dans le musée et l'histoire de Fernando Botero.

Adresse: Calle 52 #43

Horaires d'ouvertures: 10h-17h30 du lundi au samedi, 10h-16h30 dimanches et jours fériés

Coût d'entrée : 18 000 COP pour les étrangers, 12 000 COP pour les Colombiens (50% de réduction pour les personnes de plus de 60 ans et les étudiants, 30% de réduction pour les groupes de plus de 5 personnes)

Accessible aux personnes en fauteuil roulant : Oui

Noticias Caracol

Comment aller là

Prenez la ligne A (ligne A) jusqu'au Parque Berrío (il y a maintenant des annonces en anglais dans le métro indiquant que cet arrêt est pour le Museo de Antioquia). Dans la gare, suivre les panneaux indiquant la sortie en direction de Plaza Botero. Une fois à l'extérieur, continuez tout droit sur un pâté de maisons, en suivant la direction de la ligne de train ci-dessus. Vous verrez bientôt un grand bâtiment en damier noir et blanc - c'est le Palais de la Culture Rafael Uribe et le début de la Plaza Botero. Tournez à gauche une fois que vous avez passé le palais et de l'autre côté de la place se trouve le Museo de Antioquia.

Tous les chauffeurs de taxi sauront où se trouve le Museo de Antioquia. Dites simplement ‘Museo de Antioquia (comme ‘moo-seh-o de An-ti-oh-key-a’) por favor’ et ils vous y emmèneront. Venant de Poblado – et selon le trafic – cela devrait coûter environ 10 000 COP.

Youtube

Histoire du Museo de Antioquia

Le musée a été fondé pour la première fois en 1881 à un autre endroit à Medellín. En 1997, le musée était fortement endetté et avait très peu de visiteurs. Après avoir essayé d'acheter des pièces de l'artiste né à Medellín Fernando Botero en plusieurs versements, Botero a promis qu'il ferait un don si le musée pouvait s'améliorer. Ces dons comprennent désormais les salles de sculpture, de peinture et de dessin.

Avec le soutien du nouveau directeur du musée, du gouverneur d'Antioquia et du maire de Medellín, le conseil d'administration du musée a commencé à chercher un autre emplacement. C'est le maire Juan Gómez Martínez qui a suggéré d'utiliser l'ancien palais municipal d'El Centro pour le projet. L'idée a bien coïncidé avec les plans de rénovation de la partie détériorée de la ville, et peu de temps après, la Plaza Botero a également commencé à être construite.

À son emplacement actuel, le Museo de Antioquia a ouvert ses portes le 15 octobre 2000. Les 23 statues de la Plaza Botero ont été inaugurées un an plus tard. Depuis que Botero a fait un premier don au Museo de Antioquia, il a depuis investi gratuitement une grande partie de ses œuvres à Medellín. Il est largement respecté et loué par Paisas pour son dévouement à la ville.

Pintrest

Qui est Fernando Botero ?

Même si vous ne connaissez pas Fernando Botero, vous avez probablement vu son travail partout dans le monde, y compris Park Avenue à New York et les Champs-Élysées à Paris. En Colombie, Botero est certainement le peintre et sculpteur le plus prolifique.

Il est né à Medellín en 1932. Il est d'abord allé à l'école de matador pour apprendre à devenir torero, mais après avoir changé d'avis, il a continué à poursuivre les arts, vivant à l'étranger et étudiant les œuvres d'artistes célèbres à Madrid, Paris et Florence.

Les pièces de Botero sont surtout connues pour présenter des personnes, des animaux et des objets dodus et ronds. L'artiste ne considérait pas ses sujets comme « gros » mais plutôt comme une exploration des proportions, du volume et de la forme. Ses œuvres sont identifiables pour leur style distinctif et ludique, tout en explorant des thèmes importants.

Les sujets de Botero vont de la nature morte aux personnages locaux et aux paysages urbains ici à Antioquia, à la tauromachie et la culture qui l'entoure, et la violence croissante à l'époque de Pablo Escobar - tout cela est fait dans son style signature de "Boterismo". Actuellement, il y a plus de 100 œuvres de Fernando Botero au Museo de Antioquia.

L'Opinion

Que voir au musée

Avant d'entrer dans le musée, prenez un moment pour vous promener parmi les statues de bronze de Botero éparpillées sur la Plaza Botero. Les sculptures combinées au design gothique imminent du Palais de la culture Rafael Uribe constituent une parfaite opportunité de prendre des photos et sont l'une des meilleures choses gratuites à faire à Medellín.

La Nota Positiva

Une fois à l'intérieur, l'exposition principale du musée est la collection complète de peintures et de sculptures de Fernando Botero, située au troisième étage. Le personnel du musée recommande de commencer ici par l'art de Botero et de descendre. Si vous souhaitez qu'un membre du personnel vous donne plus d'informations, les visites ont lieu tous les jours à 14h00 gratuitement en espagnol uniquement. Alternativement, des visites en anglais sont disponibles mais doivent être réservées à l'avance et coûtent une somme modique en fonction de la taille du groupe.

Loin de la vie

Il existe un certain nombre d'autres expositions, notamment une salle présentant les œuvres d'artistes internationaux (principalement de l'art moderne), une exposition présentant l'art religieux et colonial de la période de conquête en Amérique du Sud, et bien plus encore. Les expositions changent par rotation, nous vous suggérons donc de consulter le site Web au préalable pour voir ce qui est exposé pour votre visite.

Pour un peu de nature au Museo de Antioquia, il y a une cour pittoresque pour s'asseoir et profiter du soleil. De plus, la boutique de cadeaux du musée vend des objets pittoresques fabriqués localement et des répliques d'œuvres d'art du musée - fantastiques comme cadeaux pour les amis et la famille à la maison. Ailleurs, un café et un restaurant sont situés au premier étage, pour faire le plein d'énergie après avoir erré dans le musée pendant des heures.

Chat Boanerges


Carrière

Visiter México au milieu des années 50, Fernando Botero peint Nature morte à la mandoline (1956) où son style émergent était apparent. En 1958, il a reçu le Premier prix du Salon national pour Chambre nuptiale : Hommage à Mantegna. En 1960, Botero a déménagé à New York. Le Musée d'Art Moderne de New York a ajouté Botero&rsquos Mona Lisa, douze ans à sa collection en 1961.

Ses peintures de cette période reflétaient la vie en Colombie avec des sujets tels que la vie de famille, les politiciens et les dirigeants, les animaux, les icônes militaires, religieuses et les prostituées pour la plupart représentées comme rondes et colorées. Les peintures de cette période comprennent Famille présidentielle (1967). Botero retourne à Paris au début de 1973 et commence à faire de la sculpture sans abandonner sa peinture. Les sculptures comprennent Soldat romain (1985), Maternité (1989) et La main gauche (1982).


Musée Botero

Das Musée Botero, allemand Musée Botero , trägt den Namen des berühmtesten kolumbianischen Künstlers, Malers und Bildhauers Fernando Botero. Das Museum befindet sich à La Candelaria, [1] der Altstadt von Bogotá, und zeigt u. une. einen Ausschnitt seines kreativen Schaffens. Es ist nur wenige Schritte von der Plaza de Bolívar im Stadtzentrum entfernt und gehört zum kulturellen Viertel La Manzana Culturelle. [2]

Das Museum hält eine Sammlung an Kunstwerken Boteros, darunter Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen. Daneben sind auch Malereien berühmter internationaler Künstler wie Salvador Dalí und Pablo Picasso zu sehen. Im Jahr 2000 hatte Botero 208 Gemälde und Skulpturen an die Kulturstiftung der Nationalbank übergeben und damit den Grundstein für die Eröffnung des Museums gelegt. Unter den überlassenen Werken waren neben seinen eigenen Arbeiten auch Originalkunstwerke weltbekannter Künstler aus seiner Privatsammlung.

Je suis westlichen Flügel des Museums über zwei Stockwerke finden sich 123 Werke von Fernando Botero. Viele Arbeiten sind Ende des 20. Jahrhunderts entstanden und tragen seine charakteristische Handschrift. Die Darstellung beleibter Figuren, die sich mollig auseinandersetzen: Hände, Orangen, Frauen, Männer, Kinder, Vögel und auch Führer der FARC. [3] Zu den bekannten Gemälden mit überzeichneten Formen zählen Pareja Bailando ("Tanzendes Paar") et Monalisa. Letzteres ist eine Karikatur der Mona Lisa von Leonardo da Vinci.

Besonders sehenswert ist auch Boteros Sammlung von Bleistiftzeichnungen, z. B. die Porträts der französischen Künstler Paul Cézanne et Gustave Courbet. Im Ausstellungsbereich für Skulpturen findet man weitere voluminöse Plastiken von ihm wie Hombre à Caballo ("Mann zu Pferd") et El Sueno ("Der Traum").

Im Ostflügel des Museums sind die 85 Kunstwerke internationaler Künstler ausgestellt. Darunter Arbeiten weltberühmter Maler avec Francis Bacon, Joan Miró, Claude Monet et Pierre-Auguste Renoir.

Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut und umfasst den Zeitraum vom französischen Impressionismus aus dem 19. Jahrhundert bis zur zeitgenössischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Das Museum ist täglich, außer dienstags, geöffnet von 9 bis 19 Uhr, sonntags von 10 bis 17 Uhr. Der Eintritt ist frei. [4]


À 84 ans, l'artiste Fernando Botero garde les choses surdimensionnées

À l'occasion de son nouveau livre volumineux d'Assouline, l'icône colombienne revient sur sa carrière extrêmement influente de six décennies et demie.

"Beaucoup de gens me connaissent comme le peintre des" grosses dames "et cela ne me dérange pas", a récemment déclaré l'artiste colombien Fernando Botero depuis son domicile à Monaco, l'un des six studios dans le monde qu'il entretient encore à 84 ans. .

En fait, l'amour de l'artiste pour les proportions généreuses n'a pratiquement jamais faibli au cours des six dernières décennies, ce qui en fait un style qui a fait tourner les têtes lorsqu'il a commencé à peindre dans les années 50, et a depuis fait de lui l'artiste vivant le plus à collectionner d'Amérique latine. . Ses figures volumineuses de tout, des morceaux de fruits à la Joconde se vendent régulièrement pour des millions, bien qu'elles puissent également être appréciées dans toute leur splendeur dans les collections de plus de 50 musées - et dans le nouveau tome éponyme de Botero, parfaitement surdimensionné avec Assouline, sorti plus tard. cette semaine. "J'ai publié de nombreux livres sur mon travail, mais celui-ci est le plus important", a déclaré Botero à propos du titre, qui mesure près d'un pied et demi de haut (et vient avec un prix important de 845 $ pour démarrer) .

Jetsetter à son apogée, Botero rebondit toujours entre ses maisons à Monaco, en Colombie, en Grèce et à New York, travaillant quotidiennement sur ses peintures avec le même système de poulie qu'il utilise depuis des décennies. Il s'arrêta pour réfléchir à tout cela, ici.

En repensant à votre carrière, vous avez dit avoir fait une percée en 1956. Y a-t-il d'autres moments en particulier qui vous ont formé en tant qu'artiste ? En 56, j'ai peint une mandoline avec un contour généreux et quelques petits détails intérieurs. Ce contraste entre le grand et le petit a été très efficace et a marqué plus ou moins mon expression à partir de ce moment-là. Mais vous ne finissez jamais d'apprendre et de progresser dans votre style - la maturité vient lorsque vous avez une cohérence totale dans ce que vous voulez dire.

Vous êtes surtout connu pour vos peintures et vos dessins, mais vous avez également produit plus de 200 sculptures. Comment ces œuvres ont-elles été reçues en tant qu'art public ? J'ai fait 20 expositions de mes sculptures monumentales à travers le monde, avec la première à Monaco en 1991. A Paris, en 92, j'ai montré 32 pièces monumentales sur les Champs Elysées. Les moustaches d'un chat de bronze ont été volées, et ce petit événement a été publié dans la presse un peu partout !


Fernando Botero : Pinturas. Dibujos. Esculturas

Vue de l'exposition. Fernando Botero : Pinturas. Dibujos. Esculturas, 1987

Le Colombien Fernando Botero (Medellín, Colombie, 1932) possède l'un des styles les plus reconnaissables de la tradition artistique latino-américaine, avec une corporéité accentuée qui lui permet de travailler avec des proportions qui ne sont pas la norme. Botero définit son travail comme un art figuratif, des formes gonflées et des figures rondes comme des « formes expressives divergentes ».

Dans son travail, Botero résume les influences des grands muralistes mexicains, en particulier José Clemente Orozco et une fascination pour Trecento et Quattrocento La peinture italienne peut également être discernée. Chaque influence peut être appréciée dans sa variation d'œuvres de Jan Van Eyck, Alberto Durero, Peter Paul Rubens, Hyacinthe Rigaud, Pierre Bonnard et Paul Cézanne. De même, l'artiste se connecte également à la tradition artistique espagnole. Botero étudie à l'Académie des beaux-arts de San Fernando à Madrid en 1951 et visite le Museo del Prado, où il copie des œuvres de Diego Velázquez et Francisco de Goya.

Son succès arrive bientôt sur les côtes européennes et, dans les années 60, ses expositions individuelles sont organisées dans des villes telles que Paris, Baden-Baden, Hanovre et Londres. De plus, son rejet de la peinture contemporaine l'éloigne des mouvements d'avant-garde et le rend absent de la scène artistique américaine, où sa peinture figurative est perçue comme anachronique.

L'exécution impeccable de Botero peut être appréciée dans les cinquante grandes peintures à l'huile présentées dans cette exposition, la plus vaste collection d'Espagne à ce jour. La sélection d'œuvres provient de musées et de collections privées d'Espagne, d'Allemagne, de Suisse et des États-Unis. Outre les peintures, l'exposition présente également cinquante-quatre dessins et aquarelles et dix sculptures en bronze, tous réalisés après 1962 et réunis spécialement pour l'occasion.

L'utilisation par Botero d'une méthode systématique lui permet de peindre à grande vitesse. Il ne se soucie pas de la spontanéité des formes et des coups de pinceau indépendants, son objectif est le travail homogène de la surface de la couleur, avec son penchant pour la préparation du fond dans des tons rougeâtres perceptibles. Il dessine ensuite sur ce socle à la craie blanche, et marque les zones lumineuses qu'il veut accentuer avec de l'acrylique blanc.

La maîtrise de la peinture sèche s'apprécie dans la couleur, méticuleusement diffusée dans ses pastels. Il y a dans ses dessins un style personnel clair qui, dès le début des années 60, le pousse à réagir contre ce qui n'est qu'esquisse et à renoncer de plus en plus au jeu de l'inachevé. Il revient souvent à la sanguine, ce qui lui permet de faire du rouge dense une source de lumière, tandis que dans les dessins au fusain, le noir atténue progressivement la lumière au dos de la feuille ou la renforce de manière plus déterminée et ouverte.

Les thèmes larges et saillants caractérisent son œuvre : portraits, autoportraits, figures nues, natures mortes, paysages, scènes de bordel, corridas, saints, soldats, cardinaux. la liste est longue, tous traités avec optimisme et fraîcheur.

Dans les sculptures de Botero, les préoccupations et les thèmes de sa peinture reviennent, bien que peut-être de manière plus expérimentale. Les contours arrondis et sensuels restent car la figure humaine est le point focal. Après ses premiers essais, entre 1963-1966, il ne travaille la sculpture qu'en 1973. Les années 1976-1977 sont considérées comme ses plus productives car il maîtrise parfaitement les différentes techniques sculpturales et durant cette période il consacre pleinement son temps à l'art en trois dimensions. Une influence des maîtres coloniaux du XVIII e siècle, tels que Caspicara d'Équateur et Aleijadinho du Brésil, peut être discernée ainsi que des références à ses artistes contemporains préférés, comme Henri Matisse, Henry Moore, Elie Nadelman et Gaston Lachaise.


6 peintures de Fernando Botero qui mettent en évidence son amour des formes pleines de figuration

L'un des artistes vivants les plus célèbres d'Amérique latine, artiste colombien Fernando Botero est connu pour ses peintures et sculptures aux formes exagérées et voluptueuses. Le créateur a produit des milliers d'œuvres d'art dans son style signature&mdashconnu sous le nom de &ldquoBoterismo”&mdashand il continue d'être aussi prolifique que jamais. «Je suis un travailleur infatigable je ne considère pas peindre comme une oeuvre, ce n'est pas une obligation, je le fais par plaisir», dit-il. &ldquoJe n'ai rien trouvé qui m'amuse plus que la peinture.&rdquo

Tout au long de sa carrière, Botero a souligné qu'il ne "peint pas les personnes obèses". Au lieu de cela, il affirme que son travail explore la "sensualité de la forme". et personnalités religieuses. Marque de fabrique de Botero&rsquos, les sujets figurés ont souvent été critiqués, mais ils continuent de fasciner de nombreux amateurs d'art à travers le monde. Lisez la suite pour découvrir six célèbres peintures de Fernando Botero qui capturent son style signature.


Vie et biographie de Fernando Botero

Date de naissance : 1932-04-19
Date de décès : -
Lieu de naissance : Medellin, Colombie
Nationalité : Colombienne
Catégorie : Arts et Spectacles
Dernière modification : 2010-07-28
Crédité comme : Artiste peintre, sculpteur, sculptures en métal

Fernando Botero, aussi connu sous le nom Fernando Botero Angulo né le 19 avril 1932 à Medellin, en Colombie, est un artiste, peintre et sculpteur colombien.

Connu pour ses énormes sculptures en métal et ses peintures aux couleurs vibrantes de formes humaines et animales robustes, l'artiste colombien Fernando Botero était l'un des artistes modernes les plus populaires.

Fernando Botero est né à Medellin, dans les Andes colombiennes, le 19 avril 1932. Ses parents, David et Flora Angulo de Botero, avaient grandi dans les hautes terres reculées des Andes. Son père, un voyageur de commerce qui voyageait à cheval dans les quartiers périphériques de la ville, est décédé quand Botero avait quatre ans, et sa mère a soutenu la famille en tant que couturière.

The second of three boys, Botero attended a Jesuit secondary school on a scholarship starting at age 12. His uncle also enrolled him in matador school, which he attended for two years, and the images in his first drawings come from the world of bullfighting (a watercolor of a matador is his first known work). Until he discovered a book of modern art at the age of 15 he "didn't even know this thing called art existed," he says.

In 1948 Botero decided he wanted to become an artist and first exhibited his work in a joint show in his native town. He began working at El Colombiano, Medellin's leading newspaper, illustrating the Sunday magazine. At this time a period of civil unrest began in Colombia, and there was a low tolerance for nonconformity and radicalism. Some of Botero's teachers began to express disapproval of his work, and he received several warnings about nudity in his newspaper illustrations. In response he published an article called "Picasso and Nonconformity in Art" and was subsequently expelled from the school. He completed his secondary education at the Liceo de la Universidad de Antioquia in Medellin, graduating in 1950, and continued to publish articles on modern art.

Botero worked for two months for a traveling theater group as a set designer, then moved to Bogota, where he met some avant-garde intellectuals and artists and was influenced by the work of such Mexican muralists as Diego Rivera, Josè Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros. Botero's large watercolor paintings, such as 1949's Donna Che Piange (The Crying Woman), are from this period. In 1951 he had his first one-man exhibition--consisting of 25 oils, drawings, watercolors, and gouaches--at the Galerias de Arte Foto-Estudio Leo Matiz. All the pieces sold, and he took the proceeds from the exhibit and moved to a small coastal town to work.

In 1952 he moved back to Bogota and mounted his second show, which earned him 7,000 pesos. He won an additional 7,000 pesos when his 1952 painting Sulla Costa (On the Coast) took second place in the IX Salon Annual de Artistas Colombianos, sponsored by the Bogota National Library. He used these funds to move to Europe and study art. He spent a year in Madrid, enrolled in the San Ferdinando Academy, and earned a living by copying paintings by Francisco de Goya, Titian, Diego Velasquez, and Tintoretto and selling them to tourists. From there he moved to Paris, where he spent a summer studying old masters at the Louvre. From 1953 to 1954 he lived in Italy, attending the San Marco Academy in Florence, where he studied fresco techniques and copied works by Andrea del Castagno and Giotto, in addition to creating his own oil paintings. He studied with Roberto Longhi, who further stimulated his enthusiasm for the Italian Renaissance.

Developed Distinctive Style

In 1955, he returned to Bogota with his new paintings, 20 of which he exhibited at the National Library. His work was harshly criticized for not having a style of its own. Few paintings sold, and Botero was compelled to work at non-artistic employment. This included an attempt to sell automobile tires and a position doing magazine layout. At the end of the year, Botero married Gloria Zea and they moved to Mexico City, where their son, Fernando, was born.

In Mexico City Botero began developing his own style. In 1956, while at work on a painting called Still Life with Mandolin, he had a revelation that would change his art. As he sketched a mandolin, he placed a small dot where a larger sound hole should have been, making the mandolin suddenly seem enormous. He began to experiment with size and proportion in his work and eventually developed his trademark style. The people and objects in his paintings were inflated, giving them presence, weight, and a round sensuality. This style, combined with his paintings' Latin American-influenced flatness, bright colors and boldly outlined shapes, made him one of the 20th Century's most recognizable artists.

Gained Worldwide Recognition

Botero's art began to gain recognition outside Latin America. In 1957 he went to New York City, where the abstract expressionist movement was thriving. On that trip, he sold most of the paintings he exhibited at the Pan-American Union in Washington, D.C. He returned to Bogota in 1958, and his daughter, Lina, was born. He became a professor of painting at the Bogota Academy of Art, a post he held for two years. By this time he was renowned as one of the country's most promising artists.

He designed a portion of the illustrations for the writer Gabriel Garcia Marquez's La Siesta del Martes, and the work also appeared in an important Colombian daily newspaper, El Tiempo. Amid some controversy, his painting Camera degli Sposi (The Bride's Chamber) won first prize in that year's Colombian salon and was exhibited the same year at the Gres Gallery in Washington, D.C. The Washington show was hugely successful, with nearly all his work selling on the first day. His work was also shown in 1958's Guggenheim International Award show in New York.

In 1959, following more exposure to abstract expressionism in the United States and a phase of personal tumult during which his marriage was dissolving, Botero's style began to change. He started painting in a monochromatic palette and using looser brushstrokes. His El Nino de Vallecas, painted in this style, was not as popular as his other work at a third Washington exhibit in October 1960. His son, Juan Carlos, was born that year, and Botero was nominated to represent Colombia at the II Mexico Biennial Exhibition.

In 1960, Botero moved to Greenwich Village in New York and began working at a feverish pace. His work, which celebrated volume and voluptuousness, received a generally tepid American response at a time when flatness was the craze, although in 1961 the Museum of Modern Art did buy his painting Monna Lisa all'età di Dodici Anni (Mona Lisa, Age 12). Despite the cool response, he kept painting work that was outside the mainstream. His 1962 exhibit at The Contemporaries Gallery in New York was harshly attacked in what Botero felt was a personal manner. In 1964, he married a second time, to Cecilia Zambrano.

Botero became fascinated by the art of the Flemish master Rubens and created a number of paintings inspired by him. By 1965, his painting had acquired greater sophistication. He began to concentrate on forms rather than individual brushstrokes, and the surfaces of objects appeared almost sculptural. His figures used subtle tones and were both monumental and plastic. He began to apply thin pastel-colored glazes to his canvases.

In 1966, Botero's work had its first European exhibition in Baden-Baden, Germany. He had begun to receive more American recognition, yet he felt at once that he was more tuned into the European sensibility. From 1966 to 1975, he divided his time among Europe, New York, and Colombia. On a visit to Germany, he became enamored of Albrecht Dürer's work, which inspired him to create a series of large charcoal drawings, "Dureroboteros," mimicking the German artist's famous paintings. He also painted works in which he interpreted the styles of Manet and Bonnard. In 1969, he mounted his first Paris exhibition and had become a full-fledged member of Europe's avant-garde by the early 1970s. His third son, Pedro, was born in New York in 1970.

During this period, Botero's painting moved beyond its focus on sensuous, sculptural, Latin forms and became harder and more sparkling, with an underlying darkness. An example from this period includes War, with its images of corpses. In 1973, he moved from New York to Paris and began to sculpt. His son, Pedro, was killed in an automobile accident in which the artist was also seriously injured, losing a finger and some motion in his right arm. Botero had painted his son repeatedly and continued to do so after the boy's death, working him into various paintings. Three years after his son's death, he dedicated a suite of galleries housed in Medellin's art museum to his son's memory. He and his second wife separated in 1975.

Sculpting and Politics

Botero devoted himself to sculpting from 1975 to 1977, putting his painting temporarily on hold. He created 25 metal sculptures that began from sketches. The subjects were huge animals (including bulls), human torsos, reclining women, and massive objects, including a gigantic coffee pot. His sculpture was exhibited at the Paris Art Fair in 1977, the year he also began to paint again (he paid homage to Velasquez in paintings depicting the Infantas--Spanish or Portuguese princesses). His work continued to be shown in galleries worldwide. In 1983 he established a workshop in an area of Tuscany renowned for its metalworks, which allowed him to spend several months each year creating his increasingly large sculptures, which weighed an average of 3,000 pounds. He also revisited bullfighting as subject matter for his painting, aspiring to become the definitive artist on the subject.

Botero became disturbed that his birthplace, Medellin, had become associated with the drug-trafficking cartel run by Colombian drug kingpin Pablo Escobar. Botero was said to be incensed that two of his paintings were discovered in Escobar's home after the druglord was killed in 1993. Despite Escobar's death, the violence continued in Medellin, and Botero was the target of a failed kidnapping in 1994.

In 1995 a guerrilla group blew up a sculpture of a dove, The Bird, that Bonero had donated to the city. The explosion occurred during a downtown street festival, and 23 people were killed while 200 others were wounded. When taking responsibility for the blast, the guerrillas called Botero a symbol of oppression. Botero cast a new dove for the plaza but insisted the remnants of the original remain so that the sculptures could represent peace and violence.

In 1996 Botero's son Fernando was convicted of accepting drug money to finance former Colombian President Ernesto Samper's campaign. Botero did not speak to his son for three years, but they later reconciled. In 2000, Botero began exhibiting paintings that reflected the violence in Colombia--images of massacres, torture, and car bombings, and one depicting Escobar's killing--a distinct departure from his usual domestic style. In a 2001 article in the Christian Science Monitor, Botero said, "Art should be an oasis, a. refuge from the hardness of life. But the Colombian drama is so out of proportion that today you can't ignore the violence, the thousands displaced and dead, the processions of coffins."

Donated Work to Colombian Museums

In 2000 Botero donated artwork valued at $200 million to two Colombian museums, the renovated Museum of Antioquia in Medellin and the cultural wing of the Banco de la Republica in Bogota. The Medellin site includes an area that was razed to create a sculpture garden, while the Bogota gift is housed in a 12-room gallery prepared for the collection. Botero's donation consisted of dozens of his own paintings and sculptures, as well as some 90 pieces from his private collection, including 14 impressionist paintings (including oils by Monet, Renoir, Degas, and Pissarro), four Picassos, and works by Dali, Miro, Chagall, Ernst, de Kooning, Klimt, Rauschenberg, Giacometti, and Calder.

Botero estimated that by the mid-1990s he had created 1,000 paintings and 100 sculptures. His work had become very popular in the 1980s and commanded high sums. In 1992 a brothel scene sold for $1.5 million at auction. His pencil and watercolor canvases have carried on his familiar themes--portrait-style images of people, brothel scenes, nudes, and still lifes. He married for a third time, to Greek sculptor Sophia Vari, and divided his time among Paris, New York City, Italy, and Colombia.

In January 2002 the French ambassador to Columbia inducted Botero into the Legion of Honor. Botero was honored by this since France had lent aid to help boost peace between Columbia's government and the Revolutionary Armed Forces of Colombia (FARC) guerrillas.


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